世界上最宏伟的乐器却很少受到音乐界的注意，这真是莫大的讽刺。         马塞尔尠湧雷认为乐器之王——管风琴应该与钢琴、小提琴或乐队一样，得到人们应有的瞩目。杜普雷的艺术目标，就是重新确立“乐器之王”在主流音乐中的地位。         通过一番努力，他取得了很大的成功。实际上，他是最早的备受人们关注的管风琴演奏家之一。也是第一个几乎走遍了全世界音乐厅的管风琴家。不管之前是否听过管风琴的声音，人们都跑去听他演奏。他的演奏能力是惊人的——总是凭借着记忆，却十分精准，节奏掌握恰到好处，对音色有着异乎寻常的感受能力。         作为一名作曲家，杜普雷的音乐也显示出大胆的和声运用、千变万化的音色、精确地节奏等特征。他习惯使用对比，一会是严肃的哥特式风格，接下来却换成了怠惰的、狂想曲性质的曲风。         杜普雷认为他创作的年代“是建造管风琴的一个很好的时代”。最近的管风琴建造方法的创新，使得这件乐器的用途大大拓宽、响应更加迅速，一旦按下琴键马上就能“开口说话”，而且力量更足，还能发出如低语般柔和的声音，音色变化比以前更加丰富。“我直到几年前才意识到，这件乐器能激发出多少创作的灵感，当它不再受机械动力的束缚时，能给人何等庄严辉煌的感受，并且能在一瞬间奏出最丰富多样的音色。”1926年，杜普雷如是说。         迈克尔唠幡在他的《杜普雷传》中写道：“杜普雷对管风琴和乐队的‘融合’并不觉得有丝毫的束缚，它们的相互配合天衣无缝，水到渠成。”他认为管风琴的管风琴的基础音色、高音簧管、柔音簧管和混声音色能与乐队的弦乐、木管、铜管和打击乐能够放在一块调色板上加以融合……杜普雷建议，八个音域最好能像应答轮唱的两个合唱团一样，管风琴和乐队在作品中拥有同等的地位。他还补充道：“要成功地写出此类作品，就要控制它们所占的比例”。         1924-1927年，杜普雷完成了“G小调交响曲，作品第25号”，但它并不是一首管风琴协奏曲，而是一首“为两支管弦乐团而作的交响曲，整体的效果有点类似链式反应——也就是说，会产生十分新颖的唱奏团演出的效果。”这首交响曲献给了亨利伍德爵士，他是著名的伦敦漫步音乐厅的创建者，杜普雷的作品在这里举行了首演，并由他本人担任管风琴演奏。         与杜普雷典型的法国式音乐风格形成对比的，是约瑟夫嘠因贝格的“F大调协奏曲，作品第137号”。后者是19世纪晚期德国浪漫主义风格的产物，其流动的旋律和丰富、舒畅的和声能使我们想到舒伯特、布拉姆斯和理查施特劳斯的早期作品。         莱茵伯格出生于列支敦士登，但一生的大部分时间都在慕尼黑度过，他在那里的圣米切尔宫廷大教堂任管风琴师，同时在慕尼黑音乐学院担任皇家特聘教授。他写了两首管风琴与乐队协奏曲，其中的“F大调协奏曲”，也就是本专辑收录的这一首，要求有一支弦乐队和三支圆号，后来写成的“G小调协奏曲”则增加了小号和定音鼓。这两首作品都是他最好的作品之一。         本专辑的录音地点位于伦敦的皇家艾尔伯特音乐厅，是世界著名的多功能音乐厅之一。它建成于1870年，可容纳七千人，包括舞厅、商店街、电影院、妇女议政厅、体育馆和音乐厅等场地，瓦格纳、布鲁克纳、威尔第和艾尔加等著名音乐家都曾到过这里。它里面有一架管风琴，是现存最好的音乐厅管风琴之一。自从第二次世界大战爆发，女王音乐厅被炸弹所摧毁之后，这里就成了著名的舞会和音乐会的举办场所。         除了上面所提到的杜普雷的管风琴交响曲和漫步音乐厅之间的历史渊源之外，1920年也是在这个音乐厅，杜普雷在这里做伦敦巡演，观众之中就有玛丽公主和威尔斯王子。也是在这里，杜普雷在时隔半个世纪之后最后一次登上舞台，时值音乐厅落成100周年，他作为贵宾受邀参加了这次盛典。